В портфолио художника-иллюстратора Насти Варламовой немало интересных коллабораций: Adidas и L’occitane, Veter magazine и Yoga journal, ТВОЁ и Почта России…
Но неважно, выполняет ли она коммерческий заказ или, подчинившись вдохновению, рисует для души — в её работах всегда пульсируют энергия, жизнь, цвет, настоящие эмоции, узнаваемые характеры. Как найти свой почерк, как из академической базы вырастить неповторимый стиль, как в мире, где нейросеть по клику создаёт любое изображение, не утратить душу и обаяние, присущие живой карандашной линии, — об этом и многом другом говорим сегодня с Настей Варламовой.
Вы получили классическое художественное образование, работали гримёром, визажистом. Чего не хватало в этих занятиях, почему вы продолжали искать себя?
Я бóльшую часть жизни училась академическому рисунку и живописи: в художественной школе, в художественном колледже, где получила диплом гримёра, в университете им. Шолохова на факультете визуальных искусств. И везде программа была одна: натюрморты, портреты, наброски и пленэр. Это такой мир, где есть свод правил и конкретных приёмов в изображении окружающего мира, где места для фантазии мало. Мне всегда хотелось перешагнуть за грань «правильно-неправильно». Когда я впервые увидела диджитал-иллюстрацию на дне открытых дверей в Британской школе дизайна, меня это очень увлекло. Я уволилась из Театра оперетты, где работала гримёром, записалась на подготовительные курсы в Британку и купила графический планшет, пыталась рисовать на ноутбуке. Уже много позже появился айпад, и вся визуальная индустрия сильно изменилась. Несмотря на то что я не рисую реализм, я благодарна академической школе: она дала очень хорошую основу, стержень, на который гораздо проще нанизывать любые мои креативные поиски. Понимание художественной базы очень поддерживает меня в творческих экспериментах: есть опора и навыки, которые невозможно потерять — знание композиции, основы колористики, умение владеть различными материалами и понимать, как они работают.
В ваших работах много цвета, ярких нот, динамики. Когда вы жили в Москве, вы пользовались столь же сочной палитрой или это именно влияние Португалии?
Слышала, что моё портфолио часто ассоциируют именно с цветом, яркостью, гармоничными сочетаниями, что прослеживается сквозь всё моё творчество. Однако и окружение оказывает влияние на мои работы. На родине в Москве значительную часть года преобладает натуральная палитра и пятьдесят оттенков серого. В Португалии всё иначе: я вижу цвета буквально повсюду — голубой океан, жёлтые фасады домов, красные крыши, зелень, бежевая земля. Даже азулежу — традиционная португальская плитка — наполнена яркими узорами. Будто неравномерный хаотичный город и природа переплетены в едином гармоничном союзе. Конечно, это ещё и оттого, что тепло здесь почти круглый год. Растения не умирают от холода.
В Москве в моём портфолио преобладали коммерческие проекты и абстрактные коллажи, а с переездом сюда я стала чаще изображать природу, городские сюжеты, то, что вижу вокруг себя. Я меняю материалы в зависимости от настроения, но предпочтение всегда отдаю ярким цветам. Мне очень скучно работать в чёрно-белой палитре.
Бывает ли, когда предлагают хорошо оплачиваемую работу над проектом, который вам не очень интересен или не нравится? Как вы поступаете?
Скорее всего, я откажусь и посоветую кого-нибудь из своих коллег. Ведь в индустрии существует так много художников, которые, возможно, мечтают именно об этом проекте. А мне обязательно попадётся другой, с которым мы совпадём.
Самый главный навык иллюстратора, на ваш взгляд?
Самоорганизация и скорость исполнения. Мы живём в эпоху, когда всё происходит очень быстро, и количество потребляемой информации тоже растёт. Иногда заказчики прямо на брифинге говорят «дедлайн: вчера» — и они не шутят. Поэтому я бы посоветовала оттачивать свои навыки, ускоряться и не лениться.
Важно ли в вашей работе вдохновение? Или важнее чёткий режим, когда каждый день, независимо от настроения, вы садитесь за рабочий стол?
Если речь о коммерческом проекте, то это, скорее, про режим и оценку своих возможностей. Тогда нужно расписать все дни до дедлайна и действовать. Если говорим о творческих
и личных проектах, где вдохновение часто является движущей силой, на одном режиме далеко не уедешь. Но вдохновение — это такая абстрактная штука… Важно научиться понимать, что тебя вдохновляет как художника, и это может быть что угодно. Меня очень вдохновляет смена обстановки, поездка — даже просто в соседний город, прогулка в лесу, время наедине с собой. Любая смена фокуса внимания даёт результат.
Расскажите о самом необычном проекте.
Вспомнилось оформление витрины детского мира на Лубянке для магазина творческих товаров «Передвижник». Передо мной стояла задача изобразить арт-мир детей, где все креативят. Я почему-то решила клеить каждую сценку из бумаги, затем сканировать в максимальном качестве и пересобирать композицию на компьютере. Итоговая картинка была несколько метров! Эта работа весила тонну гигабайт, но она получилась очень эффектная, фактурная и детальная.
Какой любимый материал для творчества?
Всё время меняется! Одно время я действительно делала только абстрактные коллажи, и тогда я работала с бумагой, отбирая и сортируя даже самые маленькие кусочки по цветам. Затем очень долгое время моим любимым инструментом был ipad pro. Сейчас я испытываю усталость от диджитал-картинок. Сейчас много цифрового искусства, я заметила, что и зритель перенасытился и уже не ценит иллюстрации, нарисованные на планшете, так, как это было несколько лет назад. Возможно, на это ещё повлияли ИИ-сети, генерирующие цифровые картинки за секунды. Мне захотелось вернуться к базовым настройкам, и я переключилась на линейные зарисовки простой чёрной ручкой, а затем на иллюстрации цветными карандашами. Помимо того, что это просто очень красиво, это ещё и успокаивает, даёт созидательную энергию. Обожаю возможности, которые даёт карандаш: можно делать плавные градиенты цвета, оставлять красивую и тёплую фактуру карандашных штрихов.
Я работаю карандашами марки Carand’ache — они превосходные! В марте я участвую в фестивале иллюстрации Braga em Risco на севере Португалии и выставляю серию карандашных работ на тему Natureza (в переводе с португальского «природа»).
Что для вас сложнее — придумать идею или перенести её на бумагу?
Скорее, придумать. Бывает, некоторые идеи так и остаются нереализованными, хоть многие из них я записываю, чтобы не забыть, но иногда перегораю ещё до реализации. В такие моменты думаю, что, значит, и не нужно. Я очень спокойно отношусь к творческому процессу. Самые звенящие идеи всегда найдут выход, если им суждено реализоваться, и результат будет прекрасным. А некоторым отведено остаться на уровне заметки в блокноте.
Чем вы занимаетесь особенно охотно, когда не работаете?
Если не занята работой, то занимаюсь спортом и домашними делами. Баланс «работа−дом» — главное, что нужно научиться держать, если ты художник. У меня не всегда получается. Если я вхожу в рабочее состояние, то просто не могу остановиться, пока не дорисую. Обожаю это состояние! Оно ощущается как мощный поток энергии, который заряжает меня.
А ещё с переездом в тепло я начала разводить растения, и за ними, конечно, нужен постоянный уход. Так что хобби пре-вратилось в ответственную деятельность. Я выращивала даже помидоры, лимоны и много чего. Обожаю книги про растения, люблю путешествовать по зелёным португальским островам — Мадейра и Азорские острова. Всё, что связано с природой, мне близко. В городе быстро устаю.
Вы говорили, что любите работать в технике коллажа, в абстрактном стиле, так как он позволяет «вытащить» бессознательное и становится в определённом смысле психотерапией. А есть ли какие-то рецепты: как выключить в себе аналитика и пуститься по воле творческих волн?
В творчестве, на мой взгляд, в первую очередь нужно выключать деструктивный анализ или самокритику. Полезнее будет принимать любой результат как результат. Даже отсутствие результата — тоже результат. Начинающему художнику нужно перепробовать массу техник и приёмов, вычленить, что нравится, что получается, — и сделать на это упор в своей практике. Не лениться и сделать своей рутиной ежедневное рисование даже по полчаса. А затем я бы посоветовала совмещать и чередовать подходы. Не залипать в одной технике надолго: это притупляет видение. Переключаться на абстрактное иногда очень полезно, потому что помогает расслабиться и выключить анализ действий. А затем возвращаться к привычным приёмам и взглянуть по-новому, что-то скорректировать.
Я часто сталкивалась с мнением среди студентов, что если работа не получилась такой, как бы хотелось, то всё — стресс, разочарование, материалы, убранные в стол… Но любой отточенный крутой результат — это недели, месяцы и годы тренировок, упорные попытки и приложенные усилия. Тогда нужно прежде всего задать себе вопрос: а зачем я вообще это делаю? Главное — рисовать ради удовольствия. Ведь творческий процесс — это всегда путь, а не только цель.
Фотограф: Speko Sveta (СПЕКО СВЕТА)